Pintura Italiana: todo lo que debe saber sobre este tema

El arte italiano influyo durante muchos años en los movimientos artísticos del mundo sobre todo la Pintura Italiana, sigue leyendo nuestro articulo para que conozcas toda la historia de la pintura italiana.

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La Mona Lisa de Leonardo Da Vinci

Hoy, Italia tiene un lugar importante en la escena artística internacional, con varias galerías de arte, museos y exposiciones importantes en donde exponen Pintura Italiana; Los principales centros artísticos del país incluyen Roma, Florencia, Venecia, Milán, Turín, Génova, Nápoles, Palermo, Lecce y otras ciudades. Italia alberga 53 sitios del Patrimonio Mundial, el mayor número de países del mundo.

Características

Entre las características de la pintura Italiana tenemos, que desde la antigüedad, griegos, etruscos y celtas han habitado el sur, el centro y el norte de la península italiana, respectivamente. Los muy numerosos dibujos en rocas en Valcamonica datan de 8,000 aC, y hay ricos restos de arte etrusco de miles de tumbas, así como restos de las colonias griegas de Paestum, Agrigento y otros lugares.

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Dibujo Etrusco

La Roma antigua finalmente emergió como la potencia dominante italiana y europea. Los restos romanos en Italia son de extraordinaria riqueza, desde los grandes monumentos imperiales de la propia Roma a la supervivencia de edificios ordinarios excepcionalmente conservados en Pompeya y sitios vecinos.

Tras la caída del Imperio Romano, en la Edad Media, Italia, especialmente el norte, siguió siendo un centro importante, no solo del arte carolingio y el arte otoniano de los emperadores del Sacro Imperio Romano, sino también del arte bizantino de Ravena y otros sitios.

Pintura del Renacimiento

El arte del Renacimiento es la Pintura Italiana, la escultura y las artes decorativas del período de la historia europea, emergiendo como un estilo distintivo en Italia alrededor de 1400, en paralelo con los desarrollos que ocurrieron en filosofía, literatura, música y ciencia.

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El arte del Renacimiento, percibido como la más noble de las tradiciones antiguas, tomó como base el arte de la antigüedad clásica, pero transformó esa tradición absorbiendo los recientes desarrollos en el arte del norte de Europa y aplicando el conocimiento científico contemporáneo.

El arte renacentista, con la filosofía humanista del Renacimiento, se extendió por toda Europa, afectando tanto a los artistas como a sus mecenas con el desarrollo de nuevas técnicas y nuevas sensibilidades artísticas. El arte del Renacimiento marca la transición de Europa del período medieval a la Edad Moderna.

Pintura Renacentista

Características de la Pintura Renacentista

En las características de la pintura renacentista es la pintura del lapso de tiempo que inició finalizando  el siglo XIII y que tuvo su mayor apogeo comenzando el siglo  XV, y decayó a finales del del siglo XVI, ocurriendo en las tierra de Italia que para ese entonces pasaba por divisiones políticas.

Los pintores de la Italia del Renacimiento, aunque a menudo apegados a tribunales particulares y con lealtades a pueblos particulares, vagaron sin embargo a lo largo y ancho de Italia, a menudo ocupando un estatus diplomático y diseminando ideas artísticas y filosóficas. 

Las influencias sobre el desarrollo de la Pintura Italiana del Renacimiento en Italia son las que también afectaron a la Filosofía, la Literatura, la Arquitectura, la Teología, la Ciencia, el Gobierno y otros aspectos de la sociedad.

Mucha Pintura Italiana del período del Renacimiento fue encargada por o para la Iglesia Católica. Estas obras a menudo eran de gran escala y con frecuencia se pintaban hechos al fresco de la Vida de Cristo, la Vida de la Virgen o la vida de un santo, particularmente San Francisco de Asís.

Durante el tiempo de renacimiento muchas edificaciones fueron decoradas, entre ellas estaban las iglesias, catedrales, edificios públicos y palacios.

El retrato en la Pintura de Italia era poco común en el siglo XIV y principios del XV, en su mayoría se limitaba a imágenes conmemorativas cívicas como los retratos ecuestres de Guidoriccio da Fogliano por Simone Martini, 1327, en Siena y, a principios del siglo XV, John Hawkwood por Uccello en la Catedral de Florencia ubicada en la ciudad de Florencia y su compañero interpretando a Niccolò da Tolentino de Andrea del Castagno.

A partir  del siglo XV la técnica de hacer retratos se popularizó. El retrato se convertiría en un tema principal para pintores del Alto Renacimiento como lo fueron Rafael y Tiziano y  continuaría en el período del manierismo en obras del pintor  Bronzino.

Retrato de Simonetta Vespuccirealizo por Piero di Cosimo.

Con el crecimiento del Humanismo, los artistas buscaron temas clásicos, particularmente para cumplir con los encargos para la decoración de las grandes mansiones de los hombres más ricos de la época, uno de ellos fue el de El Nacimiento de Venus que realizó Botticelli para la familia Medici.

Cada vez más, los temas clásicos también fueron vistos como un material adecuado para las edificaciones cívicas. El humanismo también influyó en la Pintura de  Italia de  la manera en que se representaron las escenas  de religión, especialmente en el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel.

Otros motivos para la Pintura Italiana fueron tomados de la vida de esa época. Los motivos o situaciones de importancia de una gran  familia se podían dejar plasmados en una obra. Cada vez más, se pintaron naturalezas muertas y escenas decorativas de la vida, como el Concierto de Lorenzo Costa de alrededor de 1490.

Batalla de San Romano pintado por Ucello

Los eventos importantes a menudo se registraban en la Pintura Italiana o conmemoraban en pinturas como la Batalla de San Romano de Uccello, al igual que los festivales religiosos locales importantes. La historia y los personajes históricos a menudo se representaban de una manera que se refleja en los acontecimientos actuales o en la vida de las personas actuales.

En todos estos temas, cada vez más, y en las obras de casi todos los pintores, se desarrollaron ciertas prácticas pictóricas subyacentes: la observación de la naturaleza, el estudio de la anatomía, de la luz y la perspectiva. 

La Pintura Italiana  renacentista,especialmente la Pintura Italiana se puede dividir en cuatro lapsos de tiempo: el Proto-Renacimiento (1300-1400), el Renacimiento temprano (1400-1475), el Alto Renacimiento (1475-1525) y el Manierismo (1525-1600).

Renacimiento Italiano

Miguel Ángel

Pintor, escultor, arquitecto y poeta Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (6 de marzo de 1475 a 18 de febrero de 1564) es uno de los artistas más famosos del Renacimiento italiano, con obras que incluyen las estatuas «David» y «Pieta» y el pinturas del techo de la Capilla Sixtina de Roma, incluido el «Juicio Final».

Nacido de una familia de medianos recursos financieros a través de la banca, Michelangelo se convirtió en aprendiz de pintor antes de estudiar en los jardines de esculturas de la poderosa familia Medici. Tuvo una gran carrera como artista en donde se destaco su virtuosismo en el arte, vivió muchos años en Roma en donde falleció a la edad de 88 años.

Miguel Ángel

El Papa Julio II le pidió a Miguel Ángel que pasara de esculpir a pintar para decorar el techo de la Capilla Sixtina, que el artista reveló el 31 de octubre de 1512. El proyecto de esta Pintura Italiana alimentó la imaginación de Miguel Ángel, y el plan original para 12 apóstoles se transformó en más de 300 figuras en el techo del espacio sagrado.

El trabajo más tarde tuvo que ser completamente eliminado poco después debido a un hongo infeccioso en el yeso, y luego recreado. Miguel Ángel despidió a todos sus asistentes, a los que consideró ineptos, y completó el techo de solo 65 pies, pasando interminables horas en su vida de vuelta y protegiendo el proyecto celosamente hasta su finalización.

Las vívidas viñetas del techo de la Sixtina de Miguel Ángel producen un efecto de caleidoscopio, con la imagen más icónica de la « Creación de Adán», una representación de Dios tocando el dedo del hombre. El pintor romano Ráfael evidentemente alteró su estilo después de ver el trabajo.

Pintores Italianos del renacimiento

El Proto-Renacimiento comienza con el inicio en la vida como pintor profesional a Giotto e incluye a Taddeo, Gaddi, Orcagna y Altichiero.

Contemporáneo con Giovanni Pisano, el pintor florentino Giotto desarrolló una manera de Pintura Italiana figurativa que era inéditamente naturalista, tridimensional, realista y clasicista, en comparación con la de sus contemporáneos y el maestro Cimabue.

Giotto, cuyo trabajo más importante es el ciclo de la Vida de Cristo en la Capilla de la Arena en Padua, fue visto por el biógrafo del siglo XVI Giorgio Vasari como «rescatar y restaurar el arte» del «estilo bizantino tradicional y crudo» prevaleciente en Italia en el siglo XIII.

El Renacimiento temprano esta ubicado en los trabajos de Masaccio, Fra  Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca y Verrocchio.

El contemporáneo de Donatello, Masaccio, fue el pintor descendiente de Giotto, promoviendo la tendencia en la Pintura Italiana hacia la solidez de la forma y el naturalismo de la cara y el gesto que había comenzado un siglo antes.

Capilla Brancacci

Masaccio terminó algunas pinturas de panel, el fue quien realizó el conjunto de frescos que comenzó en la Capilla Brancacci, junto a  Masolino y el cual influyó en pintores como  Miguel Ángel. Los trabajos  de Masaccio se llevaron adelante en las pinturas de Fra Angelico, particularmente en sus frescos en el Convento de San Marco en Florencia.

En Nápoles, el pintor Antonello da Messina comenzó a usar Pintura al óleo para retratos y pinturas religiosas en una fecha que precedió a otros pintores italianos, posiblemente alrededor de 1450. Llevó esta técnica al norte e influyó en los pintores de Venecia.

Uno de los pintores más famosos e importantes del norte de Italia fue Andrea Mantegna, que decoró el interior de una habitación, la Camera degli Sposi para su patrón Ludovico Gonzaga, colocando retratos de la familia y la corte en un espacio arquitectónico ilusionista.

Camera degli Sposi

Cuando culmina el Renacimiento temprano en el arte italiano se da por problemas de competencia entre los artistas. El Papa Sixto IV mandó reconstruir la Capilla Papal, y fue nombrada Capilla Sixtina en su nombre, y le solicitó a varios  artistas como Boticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli que hicieran las decoraciones de las paredes con los hechos de la Vida de Cristo y la Vida de Moisés.

En estas grandes obras cada uno de los pintores plasmó su propio estilo, pero hicieron un trabajo en conjunto, en cuanto a las formas, iluminaciones, perspectiva de linea y el ambiente, la forma humana y las características que llevaron a la cima a grandes artistas florentinos como Ghiberti, Verrocchio, Ghirlandaio y Perugino.

El período del Alto Renacimiento fue el de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y Tiziano. El gran artista,  Leonardo da Vinci perfeccionó los aspectos de la pintura, en cuanto a como iluminar, la profundidad, el ambiente, la anatomía corporal y la caracterización de la imagen que tanto preocupaba a los grandes artistas de inicios del renacimiento, haciendo un estudio detallado y llevando un registro de cada una de sus observaciones.

Leonardo da Vinci

Su forma de aceptar en la Pintura al óleo como su principal forma de comunicar lo que significaba que se puede pintar la luz y colocar sus efecto sobre un paisaje y los demás objetos que conforman la obra y que quedara de una forma natural de una manera nunca antes conocida ni vista tal como lo demostró con su grandiosa obra  la Mona Lisa.

Su disección de cadáveres llevó adelante la comprensión de la anatomía esquelética y muscular, como se ve en el inacabado San JerónimoSu descripción de la emoción humana en La Última Cena estableció el punto de referencia para la pintura religiosa.

Esta forma de trabajar de Leonardo da Vinci, no fue convincente para el joven Miguel Ángel que realizó un estilo distinto. Para Miguel Ángel la Pintura Italiana el único objeto de interés para observar en una pintura era el cuerpo humano.

Perfeccionó su técnica al representarla, cuando tenía poco más de veinte años, con la creación de la enorme estatua de mármol de David y el grupo La Piedad, en la Basílica de San Pedro, en Roma. Luego comenzó una exploración de las posibilidades expresivas de la anatomía humana.

Su encargo por parte del papa Julio II de pintar el techo de la Capilla Sixtina dio como resultado la obra maestra suprema de la Pintura Italiana de la composición figurativa, que tuvo un profundo efecto en todas las generaciones posteriores de artistas europeos.

Junto a Leonardo y Miguel Ángel, el tercer gran pintor del Alto Renacimiento fue el joven Raphael, quien en una corta vida pintó una gran cantidad de retratos realistas e interesantes, incluidos los del Papa Julio II y su sucesor, el Papa León X, y numerosos representaciones de la Virgen y el Niño Jesús, incluida la Virgen Sistina.

Su contemporáneo Giorgione dejó un pequeño número de obras enigmáticas, incluida La Tempestad, cuyo tema sigue siendo una cuestión de especulación. Las primeras obras de Tiziano datan de la época del Alto Renacimiento, incluyendo un retablo masivo La Asunción de la Virgen, que combina la acción humana y el drama con un color y una atmósfera espectaculares.

Pintura del Barroco

El Barroco es un estilo de arquitectura, arte y música muy recargado y, a menudo, extravagante, que floreció en Europa desde principios del siglo XVII hasta el final siglo XVIII. Siguió el estilo renacentista y precedió al estilo neoclásico. Fue alentado por la Iglesia Católica Romana como un medio para contrarrestar la simplicidad y la austeridad de la arquitectura, el arte y la música protestantes.

En el arte barroco se usaba mucho contraste, movilidad, exuberancia en los detalles, magnificencia y cosas asombrosas para llamar la atención. Este estilo se desarrollo en los primeros años del siglo XVII en la ciudad de Roma, y se esparcio por el resto de Europa.

La incredulidad de Santo Tomás de Caravaggio

Dos de las principales figuras en la aparición de la Pintura Italiana barroca en Italia fueron Michelangelo Merisi da Caravaggio y Annibale Carracci

Caravaggio (1571-1610), nacido y formado en Milán, se erige como uno de los contribuyentes más originales e influyentes de la pintura europea de finales del siglo XVI y principios del XVII.

Controversialmente, no solo pintó figuras, incluso las de temas clásicos o religiosos, en vestimentas contemporáneas, o como hombres y mujeres comunes, sino que su inclusión del lado más sórdido de la vida (como los pies sucios) contrastaba notablemente con la habitual tendencia del tiempo que idealizaría la figura religiosa o clásica tratándola con el decoro que se consideraba apropiado para su estado.

Usó tenebrismo y marcados contrastes entre figuras parcialmente iluminadas y fondos oscuros con un efecto dramático. Algunas de sus famosas pinturas son «La llamada de San Mateo», «Santo Tomás», «La Conversión de San Pablo», «El Entierro» y  «La Coronación de Cristo«. Su uso de la luz y la sombra fue emulado por los Caravaggisti, los seguidores de Caravaggio, como Orazio Gentileschi (1563-1639), Artemisia Gentileschi (1592-1652), Mattia Preti, Carlo Saraceni y Bartolomeo Manfredi.

Arte Barroca Italiana

Pintura del alto barroco italiano 

El pintor principal del Alto Barroco romano, un período que abarcó varios reinos papales a partir de 1623 hasta 1667, era Pietro da Cortona. Su estilo barroco es claramente evidente en pinturas que ejecutó para la familia Sacchetti en la década de 1620 y el fresco de la bóveda en el Palazzo Barberini (terminado en 1639) en Roma.

Durante la década de 1630, Cortona tuvo un debate en la Accademia di San Luca, la academia de pintura en Roma, con Andrea Sacchi, un pintor con tendencias clasicistas, sobre las diferencias percibidas entre sus estilos de pintura.

Pinturas en el Palacio Pamphili realizadas por Pietro Cartona

El argumento se refería esencialmente al número de figuras en una Pintura Italiana y estaba redactado en términos literarios, con Cortona argumentando a favor de un enfoque «épico» con una abundancia de figuras y Sacchi defendiendo la «tragedia» con menos figuras para transmitir los mensajes en una pintura.

Pintores barrocos como Cortona, Giovan Battista Gaulli y Ciro Ferri continuaron floreciendo junto a la tendencia clásica representada por pintores como Sacchi y Nicholas Poussin, pero incluso un pintor clasicista como el alumno de Sacchi Carlo Maratta fue influenciado en su uso del color por el Barroco.

En 1672, se publicó «Vidas de los artistas» de Gian Pietro Bellori. Esto promovió el idealismo clásico en el arte por lo que los artistas de esta tendencia se incluyeron (también lo fue Caravaggio), pero algunos de los principales artistas del siglo XVII fueron omitidos, como Cortona, el escultor Gianlorenzo Bernini y el arquitecto Francesco Borromini.

Pintores italianos del siglo XVII

Pintar en el siglo XVII en Italia fue una empresa internacional. Un gran número de artistas viajó a Roma, especialmente, para trabajar y estudiar. Buscaron no solo las muchas comisiones que la Iglesia extendía, sino también la oportunidad de aprender de los maestros del pasado. La mayor parte del siglo estuvo dominada por el estilo barroco, cuyo poder expresivo se adecuaba bien a las necesidades de la Iglesia de la Contrarreforma por afectar las imágenes.

Paisaje con Bañistas de Agostino Carracci

El drama y el movimiento que caracterizaron la escultura y la arquitectura italiana barrocas, así como la Pintura Italiana, pueden verse por primera vez, quizás, en la obra de Caravaggio, quien murió en 1610. Sus fuertes contrastes de realismo claro y oscuro y sin parpadeo fueron asumidos por muchos artistas, incluyendo el italiano Orazio Gentileschi, el español Jusepe de Ribera, y los franceses Valentin de Boulogne y Simon Vouet, todos los cuales trabajaron en Italia. 

Otros artistas llevaron el llamado estilo tenebrista de Caravaggio al norte de Europa. El enfoque más clásico de Carracci y sus estudiantes Guercino y Domenichino fue también una fuerza importante en la pintura del siglo XVII. Proporcionó una base para la claridad racional que estructura el trabajo de los artistas franceses Nicolas Poussin y Claude Lorrain, quienes trabajaron en Roma la mayor parte de sus vidas.

Caravaggio

Caravaggio nació como Michelangelo Merisi en Italia alrededor de 1571. Quedó huérfano a los 11 años y aprendió con un pintor en Milán. Se mudó a Roma, donde su trabajo se hizo popular por la técnica de tenebrismo que usaba, que usaba la sombra para enfatizar áreas más claras. Su carrera, sin embargo, fue efímera. Caravaggio mató a un hombre durante una pelea y huyó de Roma. Murió poco después, el 18 de julio de 1610.

Caravaggio, cuyas fogosas obras maestras incluyeron «La Muerte de la Virgen» y «David con la Cabeza de Goliat», y quien inspiró a generaciones de artistas, nació como Miguel Ángel Merisi da Caravaggio en 1571 en Italia. El mundo al que llegó fue violento y, a veces, inestable. Su nacimiento se produjo justo una semana antes de la Batalla de Lepanto, un sangriento conflicto en el que los invasores turcos fueron expulsados ​​de la cristiandad.

De carácter violento en 1606 cometió un asesinato. En julio de 1608, atacó a Fra Giovanni Rodomonte Roero, uno de los caballeros más antiguos de la Orden de San Juan en Malta. Caravaggio fue arrestado y encarcelado por el asalto, pero logró escapar solo un mes después.

El ataque tuvo un profundo impacto en el estado mental y físico de Caravaggio. Su visión y pinceladas sufrieron el asalto, como lo demuestran dos de sus pinturas posteriores, «El martirio de Santa Úrsula» y «La negación de San Pedro».

Para evitar el castigo por el asesinato, la única salvación de Caravaggio podría provenir del Papa, que tenía el poder de perdonarlo. Lo más probable es que informara que los amigos estaban trabajando en su nombre para asegurar su perdón, en 1610 Caravaggio comenzó a hacer su camino de regreso a Roma.

Navegando desde Nápoles, fue arrestado en Palo, donde su bote había detenido. Tras su liberación, reanudó su viaje y finalmente llegó a Port’Ercole, donde murió pocos días después, el 18 de julio de 1610.

Pintura del siglo XIX

Desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta el siglo XIX, la Pintura Italiana sufrió una gran cantidad de cambios socioeconómicos, varias invasiones extranjeras y el turbulento Risorgimento, que dio lugar a la unificación italiana en 1861. Así, el arte italia pasó por una serie de cambios menores y mayores en el estilo.

En las artes visuales, el movimiento europeo llamado «neoclasicismo» comenzó en Italia alrededor de 1750 en Roma,  como una reacción contra los estilos barroco y rococó supervivientes, y como un deseo de volver a la «pureza» percibida de las artes de Roma, la percepción más vaga («ideal») de las artes griegas antiguas  y, en menor medida, del clasicismo renacentista del siglo XVI.

En el interior, el neoclasicismo hizo un descubrimiento del genuino interior clásico, inspirado en los redescubrimientos de Pompeya y Herculano, que comenzó a fines de la década de 1740, pero que alcanzó una amplia audiencia en la década de 1760, con los primeros volúmenes lujosos de distribución estrictamente controlada de Le Antichità di Ercolano.

En la Pintura Italiana también desarrolló varios otros movimientos artísticos en el siglo XIX, como los Macchiaioli, que influyeron en el impresionismo francés. La ciudad de Milán surgió más tarde como un importante centro de arte romántico del siglo XIX.

La ciudad se convirtió en un importante centro artístico europeo durante el período romántico, cuando el romanticismo milanés fue influenciado por los austriacos, que gobernaron Milán en ese momento. Probablemente,  la más notable de todas las obras de arte románticas celebradas en Milán es «El beso«, de Francesco Hayez, que se muestra en la Academia de Brera.

Los Macchiaioli fueron un conjunto de artistas pictóricos de Toscana, que se formaron a partir de la segunda parte del siglo XIX, los cuales rompen con todas las cosas convencionales que se impartían en las academias de arte italiana y se dedicaron  a pintar al aire libre para tomar los efectos de la luz natural, sobras y colores.

Los Macchiaioli fueron los precursores de los impresionistas que, a partir de la década de 1860, perseguirían objetivos similares en Francia. Los artistas más notables de este movimiento fueron Giovanni Fattori, Silvestro Lega y Telemaco Signorini.

El movimiento creció a partir de un pequeño grupo de artistas, muchos de los cuales habían sido revolucionarios en los levantamientos de 1848. Los artistas se encontraron en el Caffè Michelangiolo de Florencia durante la década de 1850 para debatir arte y política.

Tenían el concepto que las partes de luz y sombra, o «macchie» (literalmente parches o manchas) debían ser los elementos que debían prevalecer en una obra de arte. Esta palabra era usada por artistas y críticos de Italia durante ese siglo y describían la calidad de una obra de arte pictórica bien sea por su ejecución de manera natural o por la forma en que se apreciaba la armonía en la misma.

Una crítica hostil publicada el 3 de noviembre de 1862 en la revista Gazzetta del Popolo marca la primera aparición impresa del término Macchiaioli.  El término tenía varias connotaciones: insinuaba burlonamente que las obras terminadas de los artistas no eran más que bocetos, y recordaba la frase «darsi alla macchia», que significa, idiomáticamente, esconderse en los arbustos o matorrales.

Los artistas, de hecho, pintaron gran parte de su trabajo en estas áreas salvajes. Este sentido del nombre también identificó a los artistas con proscritos, lo que refleja la opinión de los tradicionalistas de que la nueva escuela de artistas estaba trabajando fuera de las reglas del arte, de acuerdo con las estrictas leyes que definen la expresión artística en ese momento.

En sus primeros años, el nuevo movimiento fue ridiculizado. Muchos de sus artistas murieron en la miseria, alcanzando la fama hacia fines del siglo XIX. Hoy, el trabajo de los Macchiaioli es mucho más conocido en Italia que en cualquier otro lugar; gran parte del trabajo se lleva a cabo, fuera del registro público, en colecciones privadas allí.

Pintura del purismo demonico
En la Pintura Italiana el purismo fue un movimiento cultural que comenzó en la década de 1820. El grupo intentó restaurar y preservar el lenguaje a través del estudio de autores medievales, y dicho estudio se extendió a las artes visuales.

Los ideales del grupo se repitieron en su manifiesto Del purismo nelle arti, en 1842-43, escrito por Antonio Bianchini y firmado por Tommaso Minardi (1787-1871), el principal defensor del purismo, el cofundador nazareno Friedrich Overbeck y Pietro Tenerani.

Pintura  Neoclásica

El neoclasicismo italiano fue la primera manifestación del período general conocido como neoclasicismo  y duró más que las otras variantes nacionales del neoclasicismo. Se desarrolló en oposición al estilo barroco alrededor de c.1750 y duró hasta c.1850.

El neoclasicismo comenzó alrededor del período del redescubrimiento de Pompeya y se extendió por toda Europa cuando una generación de estudiantes de arte regresó a sus países desde el Grand Tour en Italia con el redescubrimiento de los ideales greco-romanos.

Primero se centró en Roma, donde artistas como Antonio Canova y Jacques-Louis David estuvieron activos en la segunda mitad del siglo XVIII, antes de mudarse a París. Los pintores de Vedute, como Canaletto y Giovanni Paolo Panini, también disfrutaron de un gran éxito durante el Grand Tour.

El arte de Francesco Hayez y especialmente el de los Macchiaioli representaron una ruptura con la escuela clásica, que llegó a su fin cuando Italia se unificó. El neoclasicismo fue el último estilo nacido en Italia, después del Renacimiento y el Barroco, que se extendió a todo el arte occidental.

Pintura Italiana Contemporánea

El arte contemporáneo es el arte de hoy, producido a fines del siglo XX o en el siglo XXI. Los artistas contemporáneos trabajan en un mundo globalmente influido, culturalmente diverso y avanzado tecnológicamente. Su arte es una combinación dinámica de materiales, métodos, conceptos y temas que desafían los límites tradicionales y desafían la definición fácil.

El arte contemporáneo diverso y ecléctico se distingue por la falta de un principio organizador, ideológico o «ismo» uniforme. El arte contemporáneo es parte de un diálogo cultural que se refiere a marcos contextuales más amplios, como la identidad personal y cultural, la familia, la comunidad y la nacionalidad.

En inglés vernáculo, moderno y contemporáneo son sinónimos, lo que resulta en una combinación de los términos arte moderno y arte contemporáneo por parte de no especialistas.

Futurismo 

El fundador y personalidad más influyente del Futurismo fue el escritor italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien lanzó el movimiento en su Manifiesto futurista en 1909.

Los futuristas expresaron su aversión por todo lo viejo, especialmente por la tradición política y artística. Admiraban la velocidad, la tecnología, la juventud y la violencia, el automóvil, el avión y la ciudad industrial, todo lo que representaba el triunfo tecnológico de la humanidad sobre la naturaleza, y eran apasionados nacionalistas.

Los defensores de la guerra como «la mejor higiene del mundo«, Marinetti, Boccioni y Sant’Elia se ofrecieron para luchar durante la Primera Guerra Mundial. El final no oficial de la primera ola de futurismo (también conocido como los años heroicos) fue en 1916, el mismo año en que Boccioni murió en la guerra. 

Después de la Guerra, Marinetti revivió el movimiento, buscando hacer del Futurismo el arte estatal oficial de la Italia fascista. La principal expresión del futurismo en la pintura en la década de 1930 y principios de la década de 1940 fue Aeropainting (aeropittura), lanzada en un manifiesto de 1929, Perspecyivas de vuelo, firmado por Benedetta Cappa, Fortunato Depero, Gerardo Dottori, Fillìa, Marinetti, Enrico Prampolini, Somenzi y Tato.

La tecnología y la emoción del vuelo, experimentada directamente por la mayoría de los aeropainters, ofrecieron aviones y paisajes aéreos como un nuevo tema. El futurismo había dependido tanto de su enérgica promoción por parte de Marinetti que su muerte en 1944 puso fin al movimiento.

Su asociación con el fascismo italiano significó que la mayoría de sus artistas fueron rechazados en los años de la posguerra, pero ha recibido atención académica en las últimas décadas y se lanzó una gran exposición para coincidir con el centenario en 2009. En 2014, el Solomon R. Guggenheim celebró una importante retrospectiva futurista con más de 300 piezas futuristas que abarcan todos los medios en los que trabajaron.

Novecento Italiano 

La Pintura Italiana en el movimiento novecento se lanzó oficialmente en 1923 en una exposición en Milán, con Mussolini como uno de los oradores. Después de estar representado en la Bienal de Venecia de 1924, el grupo se separó y se reformó. El nuevo Novecento Italiano organizó su primera exposición colectiva en Milán en 1926.

Varios de los artistas eran veteranos de guerra; Sarfatti había perdido un hijo en la guerra. El grupo deseaba enfrentarse al establecimiento italiano y crear un arte asociado con la retórica del fascismo. Los artistas apoyaron al régimen fascista y su trabajo se asoció con el departamento de propaganda del estado, aunque Mussolini reprendió a Sarfatti por usar su nombre y el nombre de fascismo para promover el Novecento. 

El nombre del movimiento (que significa 1900) fue una referencia deliberada al arte italiano en los siglos XV y XVI. El grupo rechazó el arte vanguardista europeo y deseaba revivir la tradición de la pintura de historia de gran formato de la manera clásica. Carecía de un programa artístico preciso e incluía artistas de diferentes estilos y temperamento, por ejemplo, Carrà y Marini.

Su objetivo era promover un arte italiano renovado y tradicional. Sironi dijo, «si miramos a los pintores de la segunda mitad del siglo XIX, descubrimos que solo los revolucionarios eran grandes y que los más grandes eran los más revolucionarios»; los artistas de Novecento Italiano «no imitarían el mundo creado por Dios, sino que se inspirarían en él».

Pintores italianos contemporáneos

Del movimiento del Futurismo los principales pintores del movimiento fueron Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Giacomo Balla y Gino Severini. Abogaban por un «dinamismo universal», que debía representarse directamente en la Pintura Italiana. Al principio usaron las técnicas del divisionismo, rompiendo la luz y el color en un campo de puntos y rayas punteados, adoptando luego los métodos del cubismo. En 1912, Boccioni recurrió a la escultura para traducir en tres dimensiones sus ideas futuristas.

Umberto Boccioni

Motivados por una «llamada al orden» de la posguerra, fueron reunidos por Lino Pesaro, un galerista interesado en el arte moderno, y Margherita Sarfatti, escritora y crítica de arte que trabajó en el periódico del dictador italiano Benito Mussolini, Il Popolo d’ Italia. Sarfatti también era la amante de Mussolini.

Pintura Moderna

A principios del siglo XX, los escultores y pintores italianos se unieron al resto de Europa occidental en la revitalización de una tradición clásica más simple, vigorosa y menos sentimental, que se aplicaba en entornos litúrgicos, decorativos y políticos. Los principales escultores fueron: Libero Andreotti, Arturo Martini, Giacomo Manzú, Nicola Neonato, Pietro Guida, Marcello Mascherini.

Arte povera 

El término Arte Povera (Arte Pobre) se introdujo en Italia durante el período de agitación a finales de la década de 1960, cuando los artistas tomaban una postura radical.

Arte Povera

Los artistas comenzaron a atacar los valores de las instituciones establecidas de gobierno, industria y cultura, e incluso cuestionaron si el arte como expresión privada del individuo todavía tenía una razón ética para existir.

La colección pública más amplia de obras del movimiento Arte Povera se encuentra en el Kunstmuseum Liechtenstein.

Transvanguardia 

Transvanguardia es la versión italiana del neoexpresionismo, un movimiento de arte que se popularizó por Italia y toda Europa occidental a fines de los años setenta y ochenta. El término Transvanguardia fue colocado  por el crítico de arte, Achille Bonito Oliva, y literalmente significa más allá de la vanguardia.

Pintura de Sandro Chia

Este movimiento de arte rechazó el arte conceptual, reintroduciendo la emoción, especialmente la alegría, en la pintura y la escultura. Los artistas revivieron el arte figurativo y el simbolismo. Los principales artistas de transvanguardia de fueron Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicola de Maria, Mimmo Paladino y Remo Salvadori.

Miguel Ángel Pistoletto comenzó a pintar en los espejos en 1962, conectando la pintura con las realidades constantemente cambiantes en las que se encuentra el trabajo. A finales de la década de 1960, comenzó a reunir trapos con moldes de estatuas clásicas omnipresentes de Italia para romper las jerarquías del «arte» y las cosas comunes.

Un arte de materiales empobrecidos es ciertamente un aspecto de la definición de Arte Povera. En su Muretto di straci (Muro de trapo) de 1967, Pistoletto hace un tapiz exótico y opulento envolviendo ladrillos comunes en trozos de tela desechados.

Muretto di straci (Muro de trapo)

Artistas como Jannis Kounellis y Mario Merz intentaron hacer que la experiencia del arte fuera más real y al mismo tiempo conectar más estrechamente al individuo con la naturaleza.

Una nueva generación de artistas italianos contemporáneos como Gaspare Manos está desarrollando un lenguaje más global que se basa en una vasta experiencia personal internacional de la vida y la cultura que abarca varios continentes y muchas décadas de viaje. Dichos artistas piensan localmente y actúan globalmente, como Rabarama, que fue el primer escultor italiano en colaborar con el Cirque du Soleil. 

Arte metafísico 

Arte metafísico o la  Pittura metafísica  es el nombre de un movimiento de arte italiano, creado por Giorgio de Chirico y Carlo Carrà.

Sus pinturas en sueños de cuadrados típicos de las ciudades italianas idealizadas, así como las yuxtaposiciones de objetos aparentemente casuales, representaban un mundo visionario que se involucraba más inmediatamente con la mente inconsciente, más allá de la realidad física, de ahí el nombre. El movimiento metafísico proporcionó un ímpetu significativo para el desarrollo de Dada y Surrealismo.

Pintores Italianos Modernos

Los principales pintores de 1930-40 a 2000 incluyeron a:

  • Alberto Savinio, 
  • Giorgio de Chirico, 
  • Giorgio Morandi, 
  • Alberto Magnelli, 
  • Felice Casorati, 
  • Roberto Melli, 
  • Corrado Cagli, 
  • Gianfilippo Usellini, 
  • Pietro Annigoni, 
  • Renato Guttuso, 
  • Lucio Fontana, 
  • Giovanni Capogrossi, 
  • Enrico Accatino, 
  • Antonio Donghi, 
  • Oreste Carpi, 
  • Fausto Pirandello,
  • Afro Basaldella, 
  • Alberto Burri, 
  • Mimmo Rotella, 
  • Franco Nonnis, 
  • Domenico Gnoli, 
  • Valerio Adami, 
  • Piero Manzoni, 
  • Emilio Tadini, 
  • Salvatore Provino, 
  • Mino Argento.

Pintores Italianos Impresionistas

Impression, soleil levant

El impresionismo es un movimiento de arte del siglo XIX en donde los trazos de pincel se hicieron mas pequeños, lineas delgadas con un proceso de componer abierta y en donde se hizo mayor enfasis en la luz y su forma de cambiar a través del tiempo, tema común, inclusión de movimiento como un elemento crucial de la percepción y experiencia humana, y ángulos visuales inusuales.

Este movimiento comenzó por un grupo de artistas que vivían en París entre los años 1870 y 1880. Los impresionistas se enfrentaron a la dura oposición de la comunidad de arte convencional en Francia. El nombre del estilo deriva del título de una obra de Claude Monet, Impression, soleil levant que provocó que el crítico Louis Leroy acuñara el término en una crítica satírica publicada en el periódico parisino Le Charivari.

El desarrollo del Impresionismo en las artes visuales pronto fue seguido por estilos análogos en otros medios que se conocieron como música impresionista y literatura impresionista.

Una forma primitiva del Impresionismo italiano esta representado en las obras de Giovanni fattori (1825-1908), Silvestro Lega ( 1826-1895), Serafino da Tivoli (1826-1892), Giuseppe Abbati (1836-1868) y Telemaco Signorini (1835-1901) todos los cuales estaban asociados con el movimiento de pintura Macchiaioli.

Pintores Impresionistas

Pintura Abstracta

El arte abstracto usa un lenguaje que es visto por la forma, color y línea en donde se realizan composiciones que son independientes en todas partes del mundo. 

Las diferentes formas artísticas que eran diferentes de las europeas, ya podían llegar al pueblo y enseñaban otras formas de establecer lo que hacia un artista visualmente.

A fines del siglo XIX, muchos artistas quisieron idear y hacer un estilo artístico que buscara los cambios que se presentaban a través de  la tecnología, la ciencia y la filosofía.

Estos artistas tomaban sus temas a través de diversas pensamientos de la sociedad y de la intelectualidad en la cultura de esa época.

Pintura del Trecento

El término Trecento es la abreviatura de «Milletrecento» (Mil trecientos), que significa el Siglo XIV. este fue un periodo altamente creativo, en donde surgió la pintura prerenacentistas para los años 1300-1400.

De hecho como el trecento coincide con el periodo prerenacentista, el termino se usa a menudo como sinónimo de arte protorenacentista, es decir, el puente entre el arte Gótico medieval y el renacimiento temprano.

El arte practicado en la Pintura Italiana en el trecento incluía la pintura al fresco, pintura al temple, pintura de libros, orfebrería, carpintería e inclusive escultura en relieve y mosaicos.

Pintura del Trecento en Siena y Florencia

Dos escuelas dominaron la pintura del Siglo XIV, la Conservadora Escuela de Pintura de Siena que estaba dirigida por Duccio de Buoninsegna (1255-1318), que promovió el viejo estilo del arte bizantino y del Gótico y la escuela Florentina Protorenacentista que estaba dirigida por Giotto (1267-1337).

Aunque la nueva forma de realismo figurativo de Giotto se convirtió en el estilo principal del arte renacentista del siglo XV, fue el arte bizantino que se enseñaba en Siena lo que predominaba durante el siglo XIV.

Duccio di Buoninsegna tardo en alejarse de la tradición bizantina. El estilo de Siena era mucho más lírico y onírico que el lenguaje usado por Giotto, y era eminentemente adecuado para el arte intemporal del retablo.

Duccio tuvo un alumno Simone Martini (1284-1344), que tomo las caracterizaras del trecento en Siena pero influenciado por la pintura del tardío gótico.

Giotto

Nacido en el 1266, fue el primero en tomar la batuta en el trecento, pinto los fresco de la Capilla Scrovegni en Padua. siendo una obra maestra de arte religioso, en las que abandono las convenciones del estilo hierático plano del arte bizantino para favorecer al naturalismo, como el La Lamentación de cristo en 1305.

Junto con su pintura mural que realizo en la Iglesia de San Francisco de asís, en Umbría, que debió complementarla con Cimabue (Cenni di Peppi 1240-1302), fue la mayor influencia en la Pintura Italiana del trecento y estableció un nuevo enfoque revolucionario en el arte.

Giotto rápidamente se alejó del estilo de pintura estrictamente medieval de su maestro, optando por una técnica mucho menos estilizada y alargada. Sus pinceladas fueron más apretadas en general, lo que hace que los sujetos humanos parezcan más realistas.

A lo largo de sus años más productivos, di Bondone viajó por toda Italia pintando frescos en varias casas religiosas. Al público, al parecer, le gustó el nuevo estilo de pintura de Di Bondone, en el que los humanos fueron representados como realmente son. 

Di Bondone pasó mucho tiempo estudiando a sus semejantes para poder reproducir con precisión las expresiones de dolor, alegría, conmoción y una confusión de otras emociones.

Judas por Giotto

Entre otras cosas, Giotto tenía la intención de mostrar a los humanos en estados naturales, menos toda la grandeza rígida y religiosa que típicamente había aparecido en el arte.

Un ejemplo importante de esto es su Ognissanti Madonna; para el ojo moderno, su estilo no es particularmente notable. Sin embargo, en comparación con obras similares de su tiempo, fue revolucionario. La Virgen, naturalmente, está sosteniendo la pierna de su bebé, en lugar de simplemente gesticular hacia él, y su cabeza está derecha y orgullosa, no inclinó recatadamente hacia abajo.

Genios de la pintura - Giotto

Pintura del Quattrocento

El termino Quattrocento, significa «cuatrocientos» es una abreviatura de la palabra italiana «Millecuattrocento» (Mil cuatrocientos), que equivale al Siglo XV, y abarca las actividades culturales del periodo del 1400 al 1500. Coincidió con el periodo del Renacimiento Florentino, el centro principal del renacimiento italiano temprano.

Crucifixión por Masaccio

El siglo XV fue testigo de una gran variedad de nuevos desarrollos tanto en frescos como en aceites. Sobre la base de los logros del arte medieval bizantino, así como del estilo gótico internacional del siglo XIV, los pintores italianos de este periodo cambiaron en general de manuscritos iluminados y otras formas de ilustración de libros a pinturas de paneles y otras obras a gran escala como la pintura al fresco.

Del mismo modo el arte decorativo, como el vitral y el mosaico disminuyeron. La tempera siguió siendo un medio importante, la pintura al óleo, introducida desde le norte de Europa por artista como Antonello da Messina atrajo a muchos seguidores.

Los artistas de este periodo hicieron progresos significativos en la pintura de figuras, tales como Masaccio y Andrea mantegna, y en la aplicación lineal como Piero Della Francesca. La filosofía renacentista del humanismo llevó a un alejamiento de la pintura decorativa, como la pintura bizantina, a favor de un realismo y un enfoque en los desnudos masculinos y femeninos.

Bautismo del Señor por Piero della Francesa

El arte religioso siguió predominando y comenzaron a tomara auge la Pintura histórica y el arte del retrato, (Boticelli). Esto era natural en vista del poder y la influencia de los patrones políticos como los de la familia Medici en florencia o la familia Gonzaga en Mantua.

Mientras las técnicas de ilusión visual  comenzaron a usarse en lienzos, techos y en la Pintura  mural, ademas se comenzó a descubrir nuevas formas de manejar la luz por Bellini, así como las técnicas del esfumato y el claroscuro de Leonardo da Vinci.

Los principales pintores de este periodo en Florencia, Venecia y otros lugares de Italia fueron:  Paolo Uccello 81397-1475), Fra Angelico (1400-55), Masaccio (1401-1428), Domenico veneciano (1410-1461), Andrea del Castagno (1420-57), Piero della Francesca (1420-92), Andrea Mantegna (1430-1506), Boticelli (1445-1510) y el famoso Leonardo Da Vinci (1452-1519).

Pintura del Cinquecento

Esta palabra es una abreviación de la palabra italiana Millecinquecento, mil quinientos y describe la historia artística del siglo XVI en Italia, Abarca el periodo de 1500 a 1600.En este periodo se desarrollo el florecimiento del arte del alto renacimiento, en Roma, Venecia y en menor medida en Florencia, así como del movimiento manierista que le siguió. Durante las primeras tres décadas de es ese siglo vieron el cenit del arte renacentista.

La Dama del Armiño. Leonardo Da Vinci

Esto se debió a las intenciones papales de restaurar la ciudad de Roma para que fuese el centro del arte y la cultura en Italia. El Papa Julio II, Leon X y Clmente VII hicieron todo lo posible para encargar a los más grandes pintores de este periodo de la Pintura Italiana  para embellecer y decorar el Vaticano, así como a toda la ciudad de Roma, lo cual llevo a la bancarrota a la iglesia.

En este periodo de la Pintura Italiana se dio la reforma protestante, en primera medida por las cuantiosas cuotas que impuso la iglesia a todas las ciudades para enviar a roma, también se dio el saqueo de esta ciudad en 1527, y logro hacer que surgiera la pintura veneciana con Tintoreto, Tiziano y Veronesse.

Tiziano Vecellio

Nadie está seguro de la fecha exacta del nacimiento de Tiziano; cuando era un anciano, afirmó haber nacido en 1477 en una carta a Felipe II, pero esto parece muy poco probable. Murió en el año 1576. Se dice que uno de sus primeros trabajos fue un fresco de Hércules en el Palacio Morosini; otros fueron la Virgen y el Niño (la llamada Madonna gitana Bellini-esque), en Viena, y la Visitación de María y Elizabeth (del convento de Santa Andrea), ahora en la Academia, Venecia.

Venus recreándose en la Música

Ticiano se unió a Giorgione como asistente, pero muchos críticos contemporáneos ya encontraron su trabajo más impresionante, por ejemplo en los frescos exteriores (ahora casi totalmente destruidos) que hicieron para la Fondacio dei Tedeschi, y su relación evidentemente tuvo un elemento significativo de rivalidad.

Distinguir entre su trabajo en este período sigue siendo un tema de controversia académica, y ha habido un movimiento sustancial de las atribuciones de Giorgione a Tiziano en el siglo XX, con poco tráfico en el otro sentido.

Los dos jóvenes maestros también fueron reconocidos como los dos líderes de su nueva escuela de «arte moderno», que es la pintura más flexible, liberada de la simetría y los restos de las convenciones hieráticas que aún se encuentran en las obras de Giovanni Bellini.

La bacanal de Tiziano

El talento de Tiziano en el fresco se muestra en aquellos que pintó en 1511 en Padua en la iglesia carmelita y en la Scuola del Santo, algunos de los cuales se han conservado, entre ellos el Encuentro en el Golden Gate y tres escenas de la vida de San Antonio de Padua, el asesinato de una joven por su marido, un niño que testifica la inocencia de su madre, y el sanador joven con la extremidad rota.

Desde Padua en 1512, Tiziano regresó a Venecia; y en 1513 obtuvo una patente de corredor en el Fondaco dei Tedeschi (almacén estatal para los mercaderes alemanes), denominada La Sanseria o Senseria (un privilegio muy codiciado por artistas en ascenso o en ascenso), y se convirtió en superintendente de las obras gubernamentales, especialmente encargado de completar las obras que Giovanni Bellini dejó inconclusas en el salón del gran concilio en el palacio ducal.

Instaló un atelier en el Gran Canal en San Samuele, el sitio preciso que ahora se desconoce. No fue sino hasta 1516, a la muerte de Bellini, que se deleitó con su patente. Al mismo tiempo, entró en un acuerdo exclusivo para pintar.

Pintores - Tiziano

Pintura Hiperrealista

El hiperrealismo es un estilo artístico surgido a inicio de los años sesenta, en parte de Europa y en los Estado Unidos, mediante el cual la Pintura Italiana y sobre todo la escultura se asemejan grandiosamente a una foto de altísima resolución.

En la misma son usados elementos de pintura muy suaves en donde se puede crear una ilusión de lo que hay en la realidad, pero que aveces no puede ser vista por el hombre, también toman otros elementos de tipo emocional, social, de cultura y de la política para realizar una obra visual que se asemeja al fotorrealismo.

Los pintores y escultores hiperrealistas tienen en cuenta algunos medios mecánicos para transferir imágenes al lienzo o al moho, incluidos los dibujos preliminares o las pinturas al óleo y los moldes de grisaille.

Las proyecciones de diapositivas fotográficas o los proyectores multimedia se utilizan para proyectar imágenes en lienzos y también se pueden usar técnicas rudimentarias como la grilla para garantizar la precisión. El hiperrealismo requiere un alto nivel de destreza técnica y virtuosismo para simular una realidad falsa.

Como tal, el hiperrealismo incorpora y a menudo aprovecha las limitaciones fotográficas, como la profundidad de campo, la perspectiva y el rango de enfoque. Las anomalías que se encuentran en las imágenes digitales, como la fractalización, también pueden ser usadas para llegar al origen digital usado por pintores hiperrealistas, como Chuck Close, Denis Peterson, Bert Monroy y Robert Bechtle.

Pintura Mural

La Pintura Italiana en mural es una obra artística que se puede pintar o aplicar sobre una pared, techo o cualquier sitio que sea de tipo permanente.Una de las cosas elementales de esta  la pintura mural es que los elementos correspondientes al espacio se deben incorporar con armonía dentro de la imagen.

Algunas pinturas murales se pintan en lienzos grandes, que luego se unen a la pared (por ejemplo, con marouflage). Si estas obras se pueden llamar con precisión «murales» es un tema de cierta controversia en el mundo del arte, pero la técnica ha sido de uso común desde finales del siglo XIX.

La técnica de fresco de buon se trata de utilizar un pigmento o color y mezclar con agua, y luego colocar esta sobre una capa o cubierta de yeso o cal que este húmeda o recién colocada. Este color es absorbido por la mezcla, y después de secarse por varias horas va a atener una reacción con el aire y este pigmente se fijara al yeso o cal, la pintura durara más tiempo en un color bastante brillante.

La pintura Fresco-secco se realiza sobre yeso seco (el secco es «seco» en italiano). En este caso el color o pigmento se unirá a la superficie a través del huevo o tempera, pegamentos o algún liquido aceitoso para que se pueda fijar a la superficie.

Mezzo-fresco está pintado en yeso casi seco, y fue definido por el autor del siglo XVI Ignazio Pozzo como «lo suficientemente firme como para no tomar una huella digital», de modo que el pigmento solo penetra ligeramente en el yeso.

Los murales son de suma importancia ya que hacen que el arte llegue a las masas, a la gente, al público. Por motivo de su gran dimensión tienen mucho costo y trabajo para ser realizados, por lo cual se debe contar en algunos casos con un patrocinio de una empresa o ente gubernamental.

Para un creador de este tipo de arte, es importante su realización ya que tendrá un gran numero de personas que verán su diseño, lo cual no puede lograrlo si hace una exposición en una galería de arte y a la vez la ciudad tendrá un beneficio por tener una obra de arte.

Pintura en el Museo del Prado

El Museo del Prado una institución que data de hace casi 200 años y una cuyos orígenes y naturaleza únicos se deben en gran medida al gusto coleccionista de los monarcas españoles de los siglos XVI y XVII.

Recolectar en ese período difería del presente. En lugar de aspirar a la amplitud, los coleccionistas se propusieron reunir la mayor cantidad posible de obras de sus artistas favoritos. Esto explica por qué el Prado ha sido descrito como un museo de pintores no de pinturas, dado que sus artistas están representados de manera superlativa con, por ejemplo, las posesiones más grandes de Bosch, Tiziano, El Greco, Rubens, Velázquez y Goya, algunos numeración de más de 100 trabajos.

Este tipo de recolección instintiva también dio lugar a lagunas y explica por qué algunos períodos están menos representados que otros, ya sea porque no eran de interés, por ejemplo, los primitivos italianos, o por razones históricas, como con la pintura holandesa del siglo XVII.

El fervor nacionalista que caracterizó todo el siglo, reflejado por artistas españoles en lienzos que celebran los pueblos, paisajes e historia del país, y la Desamortización de posesiones eclesiásticas que, cuando ingresaron al Prado desde el Museo de la Trinidad, enriquecieron significativamente las posesiones originales de la Colección Real, todos se reflejan en las colecciones del Museo, que terminan en 1881, el año del nacimiento de Picasso.

Además, aunque están orientadas principalmente a la Pintura Italiana, estas colecciones también incluyen ejemplos destacados de escultura, artes decorativas y obras en papel, desde la antigüedad hasta el siglo XIX.

Desde su fundación en 1819, el Museo del Prado ha jugado un papel clave en la evolución de la historia del arte. Ha sido crucial para el redescubrimiento de los Primitivos españoles y figuras emblemáticas como El Greco, y para posicionar a Velázquez como la figura más grande del Parnaso pictórico español, mientras que sus galerías han inspirado a algunos de los pintores más vanguardistas de los últimos 150 años. Estamos orgullosos de mostrar a los visitantes este gran patrimonio artístico.

Las obras mas famosas del Museo Prado

Otros pintores famosos de la Pintura Italiana

La pintura italiana tuvo muchos pintores famosos y en esta parte te nombraremos lo mas importantes, que o han sido nombrados en los títulos anteriores:

Giovanni Battista Tiepolo

Nacido el  5 de marzo de 1696 – 27 de marzo de 1770), también conocido como Gianbattista Tiepolo  fue un pintor y un artista del grabado italiano de la República de Venecia. Fue prolífico y trabajó no solo en Italia, sino también en Alemania y España.

Virgen con seis santos

Tiepolo en compañía de Giambattista Pittoni, Canaletto, Giovan Battista Piazzetta, Giuseppe Maria Crespi y Francesco Guardi son considerados los maestros tradicionales mas antiguos de la época.

Exitoso desde el comienzo de su carrera, Michael Levey lo describió como «el pintor decorativo más grande de la Europa del siglo XVIII, así como también su artesano más capaz».

Guido Reni

Guido Reni, nacido el 4 de noviembre de 1575, Bolonia, Estados Pontificios, Italia, murió el 18 de agosto de 1642, Bolonia, pintor barroco italiano primitivo conocido por el idealismo clásico de sus interpretaciones de temas mitológicos y religiosos.

Primer aprendiz del pintor flamenco Denis Calvaert a la edad de 10 años, Reni fue influenciado más tarde por el novedoso naturalismo de los Carracci, una familia de pintores boloñeses. En 1599 fue recibido en el gremio de pintores, y después de 1601 dividió su tiempo entre sus estudios en Bolonia y Roma. Al ganar prominencia, Reni se rodeó de ayudantes, como Giovanni Lanfranco, Francesco Albani y Antonio Carracci, que quedaron fascinados por su personalidad noble, aunque algo tiránica.

Guido Reni Autorretrato

En su carrera temprana Reni ejecutó importantes encargos para el Papa Pablo V y el Cardenal Scipione Borghese, pintando numerosos frescos en capillas para estos y otros patrocinadores. Entre estas obras se encuentra el célebre fresco «Aurora» (1613-14).

En sus pinturas religiosas y mitológicas, Reni desarrolló un estilo que templaba la exuberancia y la complejidad del Barroco con la restricción clásica. Composiciones como «Atalanta e Hippomenes» (1625) muestran su preferencia por figuras elegantemente representadas que reflejan ideales antiguos. En la última parte de su carrera, Reni empleó tonos más claros, colores más suaves y pinceladas extremadamente libres.

Se esforzó hacia una armonía clásica en la que la realidad se presenta en proporciones idealizadas. El estado de ánimo de sus cuadros es tranquilo y sereno, al igual que la estudiada suavidad de color y forma. Sus composiciones religiosas lo convirtieron en uno de los pintores más famosos de su época en Europa, y un modelo para otros artistas del Barroco italiano.

Modigliani

Amedeo Modigliani nació en Livorno, Italia en 1884. Comenzó a estudiar pintura a los 14 años y mostró un inmenso talento. En 1906, Modigliani se mudó a París, que era el centro de vanguardia de Europa en ese momento.

Allí, en medio de algunas de las luces más brillantes de la comunidad artística, comenzó a desarrollar su propio estilo único, como se ve en las esculturas y retratos que creó durante este período. Sin embargo, a lo largo de su vida, Modigliani estuvo plagado de mala salud, empeorado por sus hábitos a menudo autodestructivos. En 1920, murió en París a la edad de 35 años.

Carppacio

Vittore Carpaccio: hacia 1465 – 1525/1526) pintor italiano, salido de la  escuela de Venecia, estudió con Gentile Bellini. Fue el pintor de  La leyenda de Santa Úrsula. Su estilo era algo conservador, mostrando poca influencia de las tendencias humanistas que transformaron la pintura renacentista italiana durante su vida.

Fue influenciado por el estilo de Antonello da Messina y el arte temprano neerlandés. Por esta razón, y también porque gran parte de su mejor trabajo permanece en Venecia, su arte ha sido bastante descuidado en comparación con otros contemporáneos venecianos, como Giovanni Bellini o Giorgione. 

Vittore Carpaccio

Giovanni Bellini

Conocido por su uso superior de pinturas al óleo para transmitir luz y color, Giovanni Bellini nació en una famosa familia de pintores en la República de Venecia durante el Renacimiento italiano.

Él es mejor conocido por sus retablos y retratos impresionantemente imaginativos, aunque su trabajo posterior se define por la atención a los detalles del paisaje.

Bellini fue ampliamente venerado y vivió una vida larga y próspera. Aunque sus mejores obras fueron destruidas en un incendio en 1577 o perdidas a lo largo de los años, existen muchos otros ejemplos exquisitos, como el Retablo de San Giobbe, el Dogo Leonardo Loredan y la Fiesta de los Dioses.

Bellini adoptó el uso de pinturas al óleo cuando el pintor siciliano Antonello da Messina, a quien se le atribuye la difusión de pinturas al óleo en toda Venecia, vio su obra en 1474. A diferencia del témpera, las pinturas al óleo permiten que los pigmentos se mezclen de manera simple y uniforme, lo que resulta en un lienzo saturado de fluidos colores vivos. Las pinturas al óleo también le dan profundidad a las pinturas a través de gradaciones sutiles, aunque ricas, un efecto que el témpero no puede proporcionar.

Bellini con entusiasmo incorporó esta nueva técnica de pintura en sus obras, contribuyendo de esta manera al estilo fluidamente coloreado y fluido que se convirtió en un sello distintivo de los pintores venecianos.Las pinturas al óleo ayudaron a impulsar el talento de Bellini en la dirección más luminosa y detallada por la que es conocido.

Correggio

Antonio Allegri da Correggio (agosto 1489 – marzo 5, 1534), generalmente conocido como Correggio, fue el principal pintor de la escuela de Parma del Renacimiento italiano, que fue responsable de algunos de los más vigorosos y sensuales obras del siglo XVI. En su uso de la composición dinámica, la perspectiva ilusionista y el escorzo dramático, Correggio prefiguró el arte rococó del siglo XVIII. Él es considerado un maestro del claroscuro.

Paolo di Dono

Paolo Uccello (1397-1475), su nombre verdadero Paolo di Dono, fue un pintor y graduado en matemáticas  en Italia quien inicialmente trabajo con la perspectiva de la linea en las artes. En el libro «Vidas de los artistas», de Giorgio Vasari escribió que Uccello tenia una gran obsesión por este tema y que duro muchas noches trabajando en ese tema hasta lograr encontrar el punto de fuga con exactitud.

Mientras sus conterráneos usaron la perspectiva para contar hechos distintos o sucesivos, Uccello la utilizó para dar la impresión de que había profundidades en sus obras. Las más conocidas  de este autor son la batalla de San Romano, que se tituló erróneamente la «Batalla de Sant ‘Egidio de 1416» durante un largo período de tiempo. 

Paolo trabajó en la tradición del gótico tardío, haciendo hincapié en el color y la pompa en lugar del realismo clásico que otros artistas fueron pioneros. Su estilo se describe mejor como idiosincrásico, y no dejó ninguna escuela de seguidores.Ha tenido cierta influencia en el arte y la crítica literaria del siglo XX (por ejemplo, en «Vies imaginaires» de Marcel Schwob, «Uccello le poil» de Antonin Artaud y «O Mundo Como Ideia» de Bruno Tolentino).

Sandro Boticelli

Sandro Botticelli nació a mediados de la década de 1440 en Florencia, Italia. De niño, fue aprendiz de orfebre y luego pintor maestro Filippo Lippi. A los cuarenta años, Botticelli era un maestro y contribuyó a la decoración de la Capilla Sixtina. Su obra más conocida es El nacimiento de Venus. Él murió en 1510.

Alessandro de Mariano di Vanni Filipepi es mejor conocido por su apodo, Sandro Botticelli, y por sus obras, que solo mucho después de su muerte fueron consideradas como algunas de las mejores del Renacimiento, particularmente por grupos como los Prerrafaelistas.

La vida de Botticelli, en su mayor parte, fue personificada por el éxito, cuya altura lo vio pintar algunos de los frescos de la Capilla Sixtina. Botticelli es recordado con más cariño por sus obras El nacimiento de Venus, Primavera y Venus y Marte.

A pesar de una considerable cantidad de fama y reconocimiento, la carrera de Botticelli está arruinada por su conclusión, que fue socavada por el nuevo movimiento artístico del Alto Renacimiento.

Sandro Botticelli

Tintoretto

Tintoretto nació como Jacopo Robusti en Venecia, Italia, alrededor de 1518. Su carrera como artista profesional duró desde la década de 1530 hasta su muerte en 1594. Se hizo conocido como uno de los maestros del siglo XVI de la pintura veneciana.

Su estilo fue dramático e innovador, y su obra incluye muchas escenas religiosas encargadas por iglesias y edificios cívicos, así como escenas mitológicas y retratos de la élite de Venecia. Algunas de las obras más conocidas de Tintoretto son «La última cena» de 1594, «San Marcos rescatando al esclavo», «Susana y los ancianos» y sus ciclos para la Scuola Grande di San Rocco y el Palacio Ducal.

El Furioso Veneciano

Giorgio Vasari

Giorgio Vasari, (30-7-1511/27 -6-1574), fue un hombre con muchas cualidades en pintura, arquitectura y literatura italiana, el cual escribió muchos libros de biografías de los grandes artistas de la época del renacimiento.

Cuando todavía era un niño, Vasari era el alumno de Guglielmo de Marcillat, pero su formación decisiva fue en Florencia, donde disfrutó de la amistad y el mecenazgo de la Familia Medici, entrenada dentro del círculo de Andrea del Sarto, y se convirtió en admirador de toda la vida de Miguel Ángel.

Las bodas de Canaa de Giorgio Vasari

Como artista, Vasari fue estudioso y prolífico. Su Pintura Italiana está mejor representada por los ciclos de frescos en el Palazzo Vecchio en Florencia y por el llamado fresco de 100 días, que representa escenas de la vida del Papa Pablo III, en la Cancelleria en Roma.

La Pintura Italiana  de Vasari, a menudo producidas con la ayuda de un equipo de asistentes, están en el estilo del los manieristas toscanos ya menudo han sido criticados por ser superficiales, superficiales y carentes de sentido del color. Los estudiosos contemporáneos consideran a Vasari más altamente como arquitecto que como pintor.

Sus edificios más conocidos son los Uffizi en Florencia, comenzó en 1560 para Cosimo I de ‘Medici, y la iglesia, monasterio y palacio creado para los Cavalieri di San Stefano en Pisa. Estos diseños muestran la influencia de Miguel Ángel y son ejemplos sobresalientes del estilo arquitectónico manierista toscano.

Paolo Porpora

Paolo Porpora (1617-1673) fue un pintor italiano de finales del Barroco, que estaba activo principalmente en Nápoles y se especializó en naturalezas muertas florales. Está documentado como un alumno de Giacomo Recco, el padre de Giuseppe Recco, y dijo haber trabajado con Aniello Falcone.

Se unió a la Accademia Romana de San Luca desde 1656 hasta 1658. Parece que fue influenciado en Roma por pintores de naturalezas muertas neerlandesas. Entre sus alumnos se encontraban Giovan Battista Ruoppolo y el napolitano Onofrio Loth (fallecido en 1717). 

Pietro Perugino

Pietro di Cristoforo Vannucci, (1450-1523), pintor renacentista italiano de la escuela de Umbría y profesor de Raphael. Su obra anticipó altos ideales renacentistas en su claridad compositiva, sensación de amplitud y economía de elementos formales.

Nada se sabe con certeza de los primeros entrenamientos de Perugino, pero pudo haber sido discípulo de Fiorenzo di Lorenzo (c.1440-1525), pintor menor en Perugia, y del célebre Umbrian Piero della Francesca (c.1420-92) en Arezzo, en cuyo caso habría sido compañero alumno de uno de sus contemporáneos más famosos, Luca Signorelli.

Desde aproximadamente 1490 hasta 1500, Perugino estuvo en su punto más productivo y en la cumbre artística de su carrera. Entre los mejores de sus trabajos ejecutados durante este tiempo están Visión de San Bernardo,  Madonna y Santos, el Pietà, y el fresco de la Crucifixión para el convento florentino de Sta. Maria Maddalena dei Pazzi. Después de 1500, el arte de Perugino comenzó a declinar, y frecuentemente repetía sus composiciones anteriores de manera rutinaria.

En 1508 hizo un regreso temporal pintando  en el techo de la Stanza dell’Incendio en el Vaticano. La comisión por los frescos en las paredes de la habitación fue para su alumno Raphael, quien, en los pocos años después de dejar el estudio de Perugino, demostró ser el gran artista.

Una de las últimas comisiones de Perugino fue la finalización en 1521 de algunos frescos en S. Severo, Perugia, que habían comenzado Rafael. Todavía pintaba en febrero o marzo de 1523 cuando murió de la peste. El fresco de la La Natividad viene de Fontignano y se supone que es el último trabajo de Perugino.

Giorgione

Giorgione nació alrededor del año 1477 en Venecia, Italia. En 1490, se convirtió en aprendiz de Giovanni Bellini. Alrededor de 1495-1500, Giorgione produjo sus dos primeras obras principales: «Juicio de Moisés» y «Juicio de Salomón». «La Tempestad», pintado en 1505, es su obra más conocida.

Durante su breve carrera, Giorgione también recibió el encargo de pintar retratos de medio cuerpo. Murió de la peste en Venecia, Italia, alrededor de 1510.

Giorgione murió de la peste en Venecia, Italia, alrededor de 1510. Tenía aproximadamente 33 años en ese momento. Después de la muerte de Giorgione, el joven pintor Tiziano completó el paisaje en «La venus dormida» de Giorgione.

Luca

Fra Luca Bartolomeo de Pacioli (a veces Paccioli o Paciolo 1447-1517 ), NO estuvo involucrado en la Pintura Italiana, fue un matemático italiano, fraile franciscano, colaborador de Leonardo da Vinci y un colaborador seminal en el campo ahora conocido como contabilidad.

Se le conoce como «El padre de la contabilidad y la contabilidad» en Europa y fue la primera persona en publicar un trabajo sobre el sistema de contabilidad doble en ese continente.  También fue llamado Luca di Borgo después de su lugar de nacimiento, Borgo  Sansepolcro, Toscana.

Mantegna

Andrea Mantegna (1431-1506) fue un pintor italiano, también estudió  arqueología romana y fue esposo de la hija de Jacopo Bellini. Así como muchos artistas de la época, Mantegna jugo con la perspectiva haciendo bajar el horizonte para crear una sensación de mayor monumentalidad.

Realizó temas en base metálica con lineas afiladas y figuras algo rusticas que dan la sensación de tener otro estilo en la pintura. El mismo tenia un Taller de grabados ubicado en Venecia hacia el año 1500.

Luigi Crocio

Luigi Crosio fue un pintor italiano más conocido por sus pinturas temáticas religiosas. Estas obras a menudo se hicieron con la intención de ser reproducidas para una compañía que distribuía impresiones llamada Kuenzli Brothers.

Más allá de los temas circulados, el artista pintó escenas de la ópera, la antigua Pompeya y escenas de género ambientadas en el siglo XVIII, representadas en un estilo académico similar al de William Adolphe Bouguereau. Nacido en 1835 en Acqui Terme, Italia, Crosio estudió en la Accademia Albertina di Belle Arte en Turín y produjo pinturas casi exclusivamente comerciales.

El artista también fue un reconocido litógrafo y grabador, contribuyendo a las publicaciones. Crosio murió el 15 de enero de 1916 en Turín, Italia. La mayoría de sus obras se encuentran en colecciones privadas.

Arcimboldo

Giuseppe Arcimboldo nació en Milán en 1527, hijo de Biagio, un pintor que trabajaba para la oficina de Fabbrica en el Duomo. Arcimboldo fue el encargado de hacer diseños de vitrales a partir de 1549, incluido el vitrage de Historias de Santa Catalina de Alejandria en el Duomo. En 1556 trabajó con Giuseppe Meda en frescos para la Catedral de Monza. En 1558, dibujó la caricatura de un gran tapiz de la Dormición de la Virgen María, que aún cuelga en la Catedral de Como hoy.

En 1562 se convirtió en retratista de la corte de Fernando I en la corte de los Habsburgo en Viena, y más tarde, de Maximiliano II y su hijo Rudolf II en la corte de Praga. También fue decorador de la corte y diseñador de vestuario. El rey Augusto de Sajonia, que visitó Viena en 1570 y 1573, vio el trabajo de Arcimboldo y encargó una copia de su obra «Las cuatro estaciones», que incorpora sus propios símbolos monárquicos.

ejGiuseppe Arcimboldo

Canaletto

Canaletto, nombre de Giovanni Antonio Canal, (nacido el 18 de octubre de 1697, Venecia-fallecido el 20 de abril de 1768, Venecia), pintor topográfico italiano cuya magistral expresión de atmósfera en sus vistas detalladas de Venecia y Londres y del país inglés las casas influyeron en las generaciones sucesivas de paisajistas.

Canaletto nació en una familia noble cuyo escudo de armas ocasionalmente usaba como firma. Sin embargo, cómo llegó a ser conocido como Canaletto es incierto; quizás el nombre se usó por primera vez para distinguirlo de su padre, Bernardo Canal, un pintor de escena teatral en cuyo estudio Canaletto asistió.

Su primer trabajo conocido firmado y fechado es Architectural Capriccio (1723, Milán, en una colección privada). Estudiando con el viejo Luca Carlevaris, un pintor moderadamente talentoso de paisajes urbanos urbanos, rápidamente se convirtió en su maestro.

Gran parte de las primeras obras de arte en Pintura Italiana de Canaletto fueron pintadas «de la naturaleza», difiriendo de la práctica tradicional de completar pinturas en el estudio.

Algunas de sus obras posteriores vuelven a esta costumbre, como lo sugiere la tendencia de las figuras distantes a pintarse como manchas de color, un efecto producido por el uso de una cámara oscura que borra los objetos más lejanos. Sin embargo, sus pinturas son siempre notables por su precisión: registró el sumergimiento estacional de Venecia en agua y hielo.

Canaletto Grandes Maestros
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